하랑갤러리

전시명 ㅣ '우리의 계절'  

작가 ㅣ 전가을
 
전시 기간 ㅣ 2026. 10. 21.(Wed)- 11.1.(Sun) 
 
소개 ㅣ계절은 저마다 다른 빛과 색으로 삶의 풍경을 바꾸어 놓는다. 그 변화의 틈에서 우리는 누군가를 기다리고, 무언가를 소망하며, 때로는 지나온 날들을 되돌아본다. 그렇게 흘러온 시간은 눈에 보이지 않는 감정의 흔적을 남기고, 어느 순간 삶을 이루는 소중한 장면으로 자리한다.

전가을 작가는 자작나무를 모티프로 한 나무의 형상과 섬세한 색채의 변주를 통해 시간의 흐름을 시각화한다. 맑고 담백한 나무의 형태를 중심으로 펼쳐지는 다채로운 색은 자연의 계절을 표현하는 동시에, 그 안에 축적된 감정과 기억의 층위를 드러낸다. 서로 다른 색이 어우러지고 겹쳐지는 화면은 저마다의 시간을 통과하며 변화해 온 마음의 풍경을 떠올리게 한다.

작품 속 스노우볼은 흘러가는 시간과 대비되는 또 하나의 세계다. 그 안에 담긴 풍경은 지나간 순간을 고요히 간직하며, 쉽게 잊히는 일상의 장면들에 새로운 의미를 부여한다. 손안에 들어올 만큼 작은 공간에 머무는 풍경은 사라진 시간에 대한 아쉬움과 그 시절의 따뜻함을 함께 불러내며, 기억을 바라보는 일 자체가 지닌 위로와 아름다움을 전한다.

<우리의 계절>은 시간의 흐름 속에서 마주한 풍경과 감정이 어떻게 각자의 기억으로 남는지 살펴보는 전시다. 작가가 그려낸 나무와 색채, 작은 세계 속 풍경은 관람객 각자의 경험과 만나 또 다른 이야기로 이어진다. 누군가에게는 그리운 시절의 장면으로, 누군가에게는 현재의 소중함을 일깨우는 순간으로 다가올 수 있다.

저마다 다른 계절을 지나온 우리는 서로 다른 기억을 품고 살아간다. 작품 앞에 잠시 걸음을 멈추고 자신의 시간을 돌아보는 순간, 익숙했던 일상 속 풍경은 새로운 의미로 다가온다. 지나온 날들의 소중함과 지금 곁에 있는 작은 기쁨을 발견하는 일, 그 조용한 순간 속에서 우리는 비로소 각자의 계절을 다시 마주하게 된다.


하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)
 
관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월,화 휴관) 

주차 ㅣ관람시 건물 외벽에 1대 잠시 주차 가능합니다. (건물 주차장은 주차 불가하오니, 근처 무계원 공영주차장을 이용해 주시기 바랍니다. 도보 10분 거리) 
 
문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang
 
작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다.  linktr.ee/galleryharang

<Our Seasona>  by Jeon, Ga-Eul

Each season transforms the landscape of our lives with its own light and colors. As time passes, we wait, hope, and look back on days gone by. These moments leave traces of emotion, gradually becoming cherished memories that shape our lives.

Jeon Ga-Eul explores the passage of time through birch-inspired forms and delicate variations of color. The trees, rendered in soft and understated shapes, are surrounded by shifting hues that evoke not only the changing seasons but also the emotions and memories gathered along the way. The interplay of colors creates a landscape of feelings shaped by time and experience.

The snow globes in her works offer a world of their own, holding moments that might otherwise fade away. Within these small, enclosed spaces, familiar scenes take on new meaning, bringing back the warmth of the past and the quiet comfort found in remembering.

<Our Seasons> reflects on how the landscapes and emotions we encounter become part of our personal histories. The trees, colors, and miniature worlds in Jeon’s paintings meet each viewer’s own experiences, opening the door to different memories and stories. For some, they may recall a distant past; for others, they may reveal the beauty of the present.

We each carry memories from the seasons we have lived through. By pausing before these works and looking back on our own journeys, we may discover new meaning in familiar moments. In recognizing the value of days gone by and the small joys of everyday life, we find ourselves reconnecting with our own seasons.

Gallery Harang ㅣ1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul
 
Opening Hours ㅣ 11:00 AM – 5:00 PM, Closed Mon&Tue, Free admission
 
Contact ㅣTel. +82-2-365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram@galleryharang
 
Artwork InquiriesㅣPlease DM us or contact us via email at galleryharang@gmail.com
Please apply through the Linktree link below https://linktr.ee/galleryharang

전시명 ㅣ '엄마, 우리 엄마'  한글의 날 기획전
 
작가 ㅣ 화연 배정원
 
전시 기간 ㅣ 2026. 10. 07.(Wed)- 10.18.(Sun) 
 
소개 ㅣ‘엄마’라는 말은 세상에 태어나 처음으로 품게 되는 가장 다정하고 깊은 고백이다. 10월 한글날을 맞이하여 선보이는 화연 배정원 작가의 기획전 <엄마, 우리 엄마>는, 우리 삶을 지탱해 온 그 숭고하고 따뜻한 언어에 시각적 숨결을 불어넣는다.

먹빛이 화선지에 기분 좋게 번져 나가듯, 작가의 작품은 일상에서 마주친 작은 바람과 들꽃, 그리고 켜켜이 쌓인 시간의 잔상을 고스란히 담아낸다. 서예가 지닌 기품 있는 선과 현대적 조형감각이 어우러진 한글 문장들은 단순한 글씨를 넘어 아름다운 하나의 표정이 되고 이미지가 되어 다가온다.

어느새 작아진 엄마의 키, 느려진 걸음 옆에서 보폭을 맞추며 걸어온 그 길..

배정원 작가의 작품 하나하나는 엄마의 시간을 추억하고, 또 함께 걸어가고자 하는 간절하고 정성 어린 손길의 결실이다. 먹 향과 한글의 온기가 아늑하게 퍼지는 이번 전시에서, 마음속 깊이 묻어 두었던 ‘나의 엄마, 우리의 엄마’를 떠올리며 잠시 숨을 고르고 다정한 기억을 마주하는 시간이 되기를 바란다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)
 
관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월,화 휴관, 10월 9일 한글날 정상 운영합니다. 건물 주차장은 주차 불가하오니, 도보 10분 거리에 있는 무계원 공영주차장을 이용해 주시기 바랍니다. )
 
문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang
 
작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다.  linktr.ee/galleryharang

 

작가노트

먹을 갈면서 상상을 한다. 종이에 검은 선이 그어지고 화선지가 먹을 흡수하는 과정에서 먹빛이 되고 선은 글씨가 되고 이미지가 되어 다가온다. 글씨가 모여 또 다른 이미지를 만들고 다른 언어로 전달된다. (중략)

길을 걷다가 만나는 작은 들꽃, 축축한 공기, 바람, 하늘, 구름, 흔들리는 풀들, 나무, 길, 그리고 사람들.. 이 모든 것들에게 수줍게 손을 내밀고 작은 움직임에도 시선을 두고 귀를 기울인다. 조심스럽지만 한편 간절한 그 시간들이 파이의 겹처럼 쌓여가면서 한 점 한 점 작업물들이 생겼다.

엄마의 키가 작아지고 걸음이 느려지고 생각이 짧아지는 사이 시간은 한 쪽으로 바쁘게 갔다. 늘 엄마의 뒤에 서 있던 내가 어느새 엄마의 앞에 서서 걷고 있다. 걸음을 늦추고 엄마의 보폭에 맞춰 잠시 숨을 고르면서 어린 시절의 추억에 잠긴다.

멈추지 않고 빠르지 않게 길을 걷고 싶다. 뚜벅뚜벅 가다보면 닿지 못하던 곳에도 어느새 갈 수 있지 않을까.

<Mom, My Mom> Special Exhibition for Hangeul Day

The word “Mom” is perhaps the first and most tender confession we carry within us from the moment we enter this world. In celebration of Hangeul Day in October, Hwayeon Bae Jung-Won presents Mom, Our Mom, a special exhibition that breathes visual life into this sacred and deeply warm word that has quietly sustained our lives.

Like the gentle diffusion of ink across Korean mulberry paper, the artist’s works capture the subtle impressions left by everyday encounters—small breezes, wildflowers by the roadside, and traces of time layered one upon another. Sentences written in Hangeul, where the dignified lines of calligraphy meet a contemporary sense of form, transcend the boundaries of handwriting. They become expressions in their own right—delicate faces and images that speak beyond words.

The height of a mother who has grown smaller,

the path we have walked beside her,

matching our steps to her slower pace…

Each work by Bae Jung-Won is the result of an earnest and tender gesture: an act of remembering her mother’s time, while wishing to continue walking alongside her.

As the scent of ink and the warmth of Hangeul gently fill the gallery, this exhibition invites us to pause for a moment and recall the “mother who is mine, the mother who is ours”—a mother we may have quietly kept deep within our hearts—and to encounter the tender memories that remain there.

Contact ㅣTel. +82-2-365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram@galleryharang

Artwork InquiriesㅣPlease DM us or contact us via email galleryharang@gmail.com

 
전시명 ㅣ '안식의 선율'  
 
작가 ㅣ 박해나, 최연
 
전시 기간 ㅣ 2026. 8. 26.(Wed)- 9. 6.(Sun) 
 
소개 ㅣ바쁜 일상과 가파른 삶의 호흡 속에서 우리는 누구나 온전한 숨을 쉴 수 있는 나만의 안식처를 꿈꾼다. 이번 <안식의 선율> 전시에서는 박해나와 최연이 따뜻한 시선과 조형적 언어로 풀어낸 유년의 순수함과 삶을 보듬는 위로의 기록을 선보인다.

박해나 작가는 향수 어린 정경과 꽃, 나무, 새 등을 통해 꿈과 행복의 세계를 그린다. 작가의 작품은 캔버스 위에 띄우는 나지막한 시이자 따뜻한 노래이다. 자유롭게 공간을 넘나드는 새들과 어우러진 풍경은 우리 안에 잠들어 있던 순수한 감각을 깨우며, 부드럽고 잔잔한 평온의 파동을 전한다.

최연 작가는 ‘놀이터’라는 지극히 일상적이면서도 상징적인 공간을 매개로 삶의 희노애락과 동심을 탐구한다. 작가에게 놀이터는 단순한 놀이의 장소를 넘어, 잊고 지내던 순수한 감정과 마음껏 울고 웃을 수 있었던 자유로움이 깃든 안식처이다. 겹겹이 쌓아 올린 따뜻한 색채와 정제된 형태 속에 담긴 공간은 현대인의 지친 마음을 다독일 수 있는 시간을 선사한다.

'유년의 기억'이라는 씨앗에서 출발한 두 작가의 세계는 서로 다른 조형적 결을 지니고 있지만, 결국 '다정함'으로 귀결된다. 최연 작가가 내어주는 쉼의 공간과 박해나 작가가 건네는 아늑한 멜로디는 이 시대를 살아가는 우리에게 무상으로 주어지는 미소이자 따스한 안식이 될 것이다. 지친 마음을 가만히 보듬고, 각자의 가슴속 깊은 곳에 간직해둔 소중한 평온을 다시금 꺼내어보는 뜻깊은 선물이 되기를 희망한다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)
 
관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월,화 휴관, 무료관람)
 
문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang
 
작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다.  linktr.ee/galleryharang
 

박해나 작가노트
 
나의 회화는 아련한 기억 위에 상상을 덧입혀 하나의 풍경으로 만들어진다. 그 안에는 쉼의 공간인 집과 향수를 불러일으키는 정경이 자리하고, 꽃이 피어난 나무 사이를 오가는 새와 물고기는 희망과 행복, 꿈을 상징하는 매개가 된다.
 
화면의 전경에 주로 등장하는 꽃나무는 단순한 자연의 풍경을 넘어, 서로 기대고 교감하며 머물 수 있는 보금자리이자 안식처로 표현된다. 〈행복이야기〉연작은 점묘법과 나이프, 붓의 자유로운 터치를 한 화면 안에서 조화롭게 활용하며 서로 다른 이미지와 분위기를 만들어낸다.  연작 가운데 ‘평안’은 은은한 달빛이 내려앉은 듯 고요한 화면을 통해 차분한 위로를 건넨다. ‘온화’는 강렬하지 않은 부드러운 햇살과 가벼운 미풍이 감도는 봄날처럼, 소소하고 따스한 일상의 행복을 담아내면서 보는 이의 상상을 머물게 한다. ‘멜로디’는 숲 어딘가에서 가볍게 흘러나오는 휘파람 소리를 떠올리게 하는 경쾌한 색채와 리듬으로 화면을 채운다. 작품 속에 머무는 온유함과 다정한 언어는 서로 어우러져 하나의 화음과 노래가 된다. 그것은 지친 마음을 잠시 내려놓게 하는 쉼터이자, 우리가 마음속에 품고 있는 이상향과도 같다.
 
나의 그림은 현실과 상상의 경계에서 조용히 피어나는 동화와 같다. 작품을 마주하는 이들이 그 안에서 잠시 일상의 속도를 늦추고, 잊고 있던 따뜻한 기억과 마주하기를 바란다. 그리고 그림에서 전해진 온기가 오래도록 잔잔한 여운으로 남기를 바란다.
 
 

최연 작가노트
 
‘놀이터’라는 일상적인 소재에서 인생의 희로애락을 떠올렸다. 상승과 하강을 반복하는 미끄럼틀과 시소, 그리고 그네에서 즐거움을 만끽하는 아이들의 모습 속에서 삶을 놀이처럼 받아들이는 천진난만함을 발견했다.
 
따스하고 부드러운 이불 위에서, 눈 내리는 집 앞 골목에서 아이들은 어디든 놀이터로 만들어낸다. 구석진 곳에서 피어나는 작은 민들레꽃 앞에 서기도 하고, 아이들의 머리 위로 흩날리는 벚꽃을 바라보기도 한다. 이처럼 평범한 일상의 순간들 속에서 우리는 잠시 걸음을 멈추고 지친 몸과 마음을 쉬게 하는 시간과 공간이 필요하다는 것을 깨닫는다.
 
‘아이는 어른의 아버지’라는 말을 떠올리며, 나는 다시 아이의 시선으로 세상을 바라보고 싶다는 생각을 한다. 니체가 말한 것처럼 낙타에서 사자로, 사자에서 다시 아이로 나아가는 여정처럼, 삶의 무게와 규범을 내려놓고 자유롭고 순수한 존재로 돌아가고 싶은 마음을 그림에 담는다.
 
나에게 놀이터는 단순한 놀이의 공간이 아니다. 그곳은 삶의 기쁨과 슬픔, 상승과 하강이 반복되는 인생의 축소판이자, 잠시 쉬어가며 다시 자신을 바라볼 수 있는 공간이다. 나는 그 놀이터에서 다시 아이가 되어, 삶을 조금 더 가볍고 천진하게 바라보고 싶다는 바람으로 그림을 그린다.
 
 
<The Melody of Rest> Park, Haena / Choi, Yeon
 
In the midst of our busy lives and the increasingly hurried rhythm of existence, we all long for a place of our own where we can pause and breathe fully. A moment to slow down, reconnect with emotions we may have forgotten, and turn our gaze inward once again. <The Melody of Rest> presents the landscapes of childhood memories and consolation as expressed through the distinct artistic languages of Park Haena and Choi Yeon.
 
Park Haena creates landscapes by layering fragments of distant memories with imagination. Houses, flowering trees, flowers, and birds come together in scenes that feel less like specific places in reality and more like warm landscapes preserved somewhere within the heart. Her gentle colors and freely expressive brushwork unfold like a quiet song or a page from a fairytale, slowly awakening a sense of peace and joy that may have long been forgotten.
 
Choi Yeon explores childhood memories and the joys and sorrows of life through the familiar yet symbolic space of the playground. The up-and-down movement of slides, seesaws, and swings evokes the many turns and rhythms of life, while the children playing freely within them embody an innocent willingness to embrace life as it comes. For the artist, the playground is more than a place for play; it is a space where one can set down the weight of everyday life for a moment and once again see the world through the eyes of a child.
 
Although the two artists begin from distinctly different landscapes, their works ultimately arrive at a shared emotional territory: the tenderness, serenity, and renewed strength that are so easily forgotten in the course of everyday life. If Park Haena’s landscapes seep into the heart like a gentle melody, Choi Yeon’s playground becomes a place where we can pause, stay awhile, and catch our breath.
 
Through familiar landscapes, cherished memories, a child’s perspective, and warm colors, the exhibition quietly calls forth the small sense of peace that remains within us. We hope that, surrounded by the gentle landscapes created by these two artists, visitors will be able to slow the pace of everyday life, reconnect with precious emotions held deep within, and experience a moment of quiet restoration.
 
Artist Statement by Park, Haena
 
My paintings are created by layering imagination upon fragments of distant memories, transforming them into landscapes of my own. Within these scenes are houses that offer a place of rest and nostalgic landscapes that evoke a sense of longing. Birds and fish moving among flowering trees become symbolic vessels for hope, happiness, and dreams.
 
The flowering trees that often appear in the foreground of my paintings represent more than natural scenery. They are places of refuge and sanctuary—spaces where beings can lean upon one another, connect, and simply remain together. In the Stories of Happiness series, I bring together pointillist techniques, palette-knife applications, and freely expressive brushstrokes to create varied images and moods. Among the works in the series, Serenity conveys a quiet sense of comfort through a tranquil scene that seems to be gently touched by moonlight. Gentleness captures the modest and tender happiness of an ordinary spring day, with soft sunlight and a light breeze, while leaving room for the viewer’s imagination to wander. Melody fills the canvas with lively colors and rhythms that evoke the feeling of a distant whistle drifting from somewhere deep within the woods. The gentle and tender language that resides within these works comes together like harmony, becoming a song. It is both a refuge where weary hearts can briefly set down their burdens and an ideal world that we carry within ourselves.
 
My paintings are like fairytales quietly blooming on the boundary between reality and imagination. I hope that those who encounter them will be able to slow the pace of everyday life for a moment and reconnect with warm memories they may have forgotten. Above all, I hope that the warmth carried by these paintings will remain with them as a quiet, lingering impression.
 
 
Artist Statement by Choi, Yeon
 
The familiar subject of the ‘playground’ led me to reflect on the joys and sorrows of life. Watching children delight in slides, seesaws, and swings—each moving through their own rhythms of ascent and descent—I discovered an innocence that embraces life as if it were a form of play.
 
Wrapped in a warm, soft blanket or wandering through the snow-covered alley outside their homes, children can transform almost anywhere into a playground. They pause before a small dandelion blooming in a secluded corner, or look up as cherry blossoms drift gently above their heads, embracing each fleeting moment of joy. These ordinary scenes remind me that we all need a time and a place where we can set down the fatigue of body and mind, pause, and breathe again.
 
The phrase, ‘The child is the father of the man,’ often comes to mind. It reminds me of my desire to see the world once again through the eyes of a child. Like the journey Nietzsche describes—from the camel to the lion, and from the lion to the child—I seek to release the weight of life and the conventions that shape us, and to return to a state of greater freedom and innocence.
 
To me, the playground is more than a place for play. It is a small landscape of life where joy and sorrow, rising and falling, coexist. It is also a space where we can pause for a moment and look back upon ourselves.
In the playground, I become a child once again. I want to rediscover the heart that once saw the world more lightly, found joy in the smallest things, and embraced life as a form of play. I hope that this feeling, too, can quietly reach those who encounter my paintings.

 
전시명 ㅣ '숨, 이어지다'  
 
작가 ㅣ 강유림
 
전시 기간 ㅣ 2026. 8. 12.(Wed)- 8. 23.(Sun) 
 
소개 ㅣ인간의 표정을 통해 삶의 흔적을 담아내던 강유림 작가는 시선을 자연으로 확장하며 존재와 시간에 관한 심오한 탐구를 이어간다. 작가에게 '얼굴'이 살아온 시간의 응축이자 서사였다면, '숲'은 시간과 존재가 머무르는 거대한 생명 공간으로 다가온다. 이번 전시에서 작가는 자연의 형상을 단절된 관조의 대상이 아닌, 무수한 시간의 층위가 겹겹이 쌓여 완성된 하나의 유기적 공간으로 재구성한다.

초기 작업에서 한지와 먹의 번짐을 통해 시간의 농담(濃淡)을 담아냈다면, 최근 작업에서는 석채를 매개로 물성과 색채의 축적을 고찰한다. 화면 위로 켜켜이 올라간 색과 마띠에르는 올리고 덜어내는 작위적 행위의 반복 속에서 비로소 완성된다. 형태를 비워낼수록 화면에는 시간이 남고, 눈에 보이는 형상보다 보이지 않는 자연의 기운이 더욱 선명해진다. 화면을 관통하는 대나무의 수직적 리듬 역시 대상의 단순한 재현을 넘어, 제자리를 지키며 서로 기대어 서는 존재들의 호흡이자 시간의 축적을 드러내는 시각적 언어이다.

매일의 반복된 붓질을 하나의 수행으로 받아들이는 작가는 자연이 시간을 머금는 방식을 닮아가고자 한다. 먹의 층과 석채의 질감, 화면을 스치는 미세한 흔적들은 존재를 형성하는 가장 근본적인 구조인 '시간'을 천천히 쌓아 올린 결과물이다.

강유림 작가의 작품은 관객으로 하여금 정지된 풍경을 넘어 그 안에 스며든 보이지 않는 숨결과 마주하게 한다. 유연하지만 견고하게 쌓아 올린 시간의 층위 앞에서, 관람객은 각자의 시간을 조용히 응시하며 스스로의 존재를 마주하는 침묵의 순간을 경험하게 될 것이다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)
 
관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월,화 휴관, 무료관람)
 
문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang
 
후원 ㅣ강원문화재단
 
작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다.  linktr.ee/galleryharang
 

강유림 작가노트  
 
오랫동안 나는 사람의 얼굴을 그려왔다. 얼굴은 한 인간이 살아온 시간의 흔적이며, 말보다 먼저 존재를 드러내는 풍경이었다. 타인의 얼굴을 바라보는 일은 결국 나 자신을 응시하는 일이었고, 그 시선은 자연스럽게 존재에 대한 질문으로 이어졌다.
 
숲을 걷고, 바람을 듣고, 대나무가 흔들리는 소리를 바라보며 깨달았다. 자연 또한 인간처럼 시간을 품고 살아간다는 것을. 최근의 작업에서 그 질문은 자연으로 옮겨갔다. 숲은 더 이상 바라보는 대상이 아니라 시간과 존재가 머무는 하나의 공간이 되었다.
 
나의 작업은 그 시간을 화면 위에 쌓아가는 과정이다.
 
초기의 작업에서는 한지 위에 먹을 스며들게 하며 시간의 층을 만들어 갔다. 먹은 번지고 마르기를 반복하며 깊이를 만들었고, 한지의 결은 시간을 품는 그릇이 되었다. 반복되는 붓질은 단순한 표현이 아니라 지나온 시간을 화면에 새기는 행위였다.
 
최근의 작업에서는 석채를 사용해 화면의 마띠에르를 만들고, 그 위에 다시 색을 올리고 덜어내는 과정을 반복한다. 켜켜이 쌓인 색은 단순한 색채의 축적이 아니라 시간이 지나간 흔적이며, 물질과 색, 질감이 만나 이루는 화면은 또 다른 시간의 층위를 품는다. 그렇게 화면은 하나의 풍경이 아니라 시간이 응축된 공간으로 존재하게 된다.
 
대나무는 끊임없이 자라지만 제자리를 떠나지 않는다. 수많은 줄기들이 서로를 기대며 숲을 이루고, 빛과 바람은 그 사이를 스쳐 지나간다. 화면 속 반복되는 수직의 리듬은 형태를 재현하기 위한 것이 아니라 시간의 축적과 존재의 호흡을 드러내기 위한 언어이다.
 
매일 반복되는 작업은 나에게 수행과도 같다. 붓을 들고 화면을 마주하는 시간 속에서 나는 자연의 시간을 닮아가고, 그 시간의 층 위에서 비로소 작은 위로를 얻는다. 형태를 덜어낼수록 화면에는 오히려 더 많은 시간이 남고, 보이는 형상보다 보이지 않는 기운이 더욱 선명해진다.
 
대나무는 시간의 형상이고, 먹은 시간의 층이며, 마띠에르 위에 켜켜이 쌓인 색은 시간의 흔적이다. 화면을 스쳐 지나가는 작은 흔적들은 시간을 스치는 숨결처럼 머물다 사라진다.
 
나는 자연을 그리는 것이 아니라, 시간이 존재를 이루는 방식을 그리고자 한다. 시간은 보이지 않지만 모든 존재를 이루는 가장 깊은 구조이며, 나의 작업은 그 보이지 않는 시간을 화면 위에 천천히 쌓아 올리는 과정이다.
 
그림 앞에 선 누군가가 잠시 자신의 시간을 들여다보고, 그 안에서 조용히 존재를 마주할 수 있다면, 그 순간 이 작업은 비로소 완성된다.
 
“나는 자연을 그리는 것이 아니라, 시간이 존재를 이루는 방식을 그리고자 한다.”
 
<Breath, continued> KANG, Yoo Lim
 
Having previously captured the traces of human life through facial expressions, artist Yoo-Lim Kang expands her gaze toward nature, continuing a profound exploration of existence and time. Where the "face" was once a narrative and a condensation of lived time, the "forest" emerges as a vast living sanctuary where time and existence reside. In this exhibition, Kang reconstructs the forms of nature not as objects of detached contemplation, but as an organic space created through overlapping layers of time.

While her early works expressed the subtle tones of time through the bleeding of ink on traditional Korean paper (hanji), her recent practice delves into the accumulation of materiality and color through natural mineral pigments (seokchae). Built layer upon layer, the colors and matière reach completion through a conscious cycle of adding and paring away. As forms are emptied, time remains on the canvas, rendering the invisible energy of nature far more vivid than its visual appearance. The vertical rhythm of bamboo traversing the surface goes beyond simple representation; it is a visual language revealing the breath of coexisting entities leaning on one another, as well as the accumulation of time.

Embracing the daily discipline of brushwork as a form of ascetic practice, Kang seeks to embody how nature retains time. The layers of ink, the texture of mineral pigments, and the subtle traces grazing the canvas are the results of slowly building up "time"—the most fundamental structure shaping existence.

Yoo-Lim Kang’s work invites viewers past the stationary landscape to encounter the invisible breath woven into it. Before these flexible yet solid strata of time, audiences are invited into a quiet moment of contemplation—confronting their own existence as they gaze into their own time.
 
Artist Statement
 
For a long time, I painted human faces. A face is the trace of time a person has lived—a landscape revealing existence before words ever could. Gazing at the face of another was ultimately an act of looking inward at myself, a gaze that naturally led to questions about existence.
 
Walking through the forest, listening to the wind, and watching the swaying bamboo, I realized that nature, much like humanity, lives while embracing time. In my recent work, my inquiry shifted toward nature. The forest ceased to be merely an object to look at; it became a space where time and existence dwell.
 
My work is the process of layering that time onto the canvas. In my early practice, I created layers of time by allowing ink to seep into hanji. As the ink repeatedly bled and dried, it forged depth, turning the texture of the paper into a vessel containing time. Repetitive brushstrokes were not mere expression, but an act of engraving elapsed time onto the surface.
 
Recently, I have used mineral pigments to create matière, repeating the process of applying and scraping away color. These accumulated layers are not a simple aggregation of pigment, but the footprints of passing time. The canvas—where material, color, and texture converge—holds yet another layer of temporal depth. Thus, the surface exists not as a static landscape, but as a space condensed with time.
 
Bamboo grows continuously yet never leaves its place. Countless stalks lean against one another to form a forest, while light and wind brush through them. The repeating vertical rhythms in my work do not aim to recreate form; they are a language designed to reveal the breath of existence and the accumulation of time.
 
This daily, repetitive work feels like an ascetic discipline. Facing the canvas with a brush in hand, I begin to resemble the tempo of nature, finding quiet solace atop these strata of time. The more I reduce the form, the more time remains on the screen, letting the invisible energy shine clearer than the visible shape.
 
Bamboo is the shape of time; ink is its layer; and the colors built atop the matière are its traces. The minute marks brushing across the canvas linger and fade like a breath passing through time.
 
I do not paint nature; I seek to paint the way time forms existence. Time is invisible, yet it is the deepest structure underlying all being. My work is the deliberate, patient process of building that invisible time onto the canvas.
If someone standing before my paintings takes a moment to look into their own time and quietly face their existence within it, only then will this work be truly complete.

"I do not paint nature; I seek to paint the way time forms existence."

Gallery Harang ㅣ1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul
 
Opening Hours ㅣ 11:00 AM – 5:00 PM, Closed Mon&Tue, Free admission
 
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